Select Page

Los más bellos Conciertos de Guitarra

Los más bellos Conciertos de Guitarra

En una pequeña serie me gustaría presentarles los más bellos conciertos de guitarra. Algunos podrían pensar que llevo búhos a Atenas, pero desafortunadamente mucha gente sólo conoce el «Concierto de Aranjuez». Pero todas las maravillosas obras que aún existen han desaparecido casi por completo de nuestras salas de conciertos.

Esto seguramente también tiene que ver con el hecho de que casi no hay conciertos de guitarra de compositores conocidos. Joaquin Clerch dijo una vez: «Si Mozart o Beethoven hubieran escrito un concierto para la guitarra, tocaríamos con la Filarmónica de Viena cada año».

 

Y estoy seguro de que tenía razón en eso. Para llenar una sala de conciertos hoy en día, se toma el nombre de un famoso virtuoso o de un conocido compositor, y sobre todo, el segundo casi no existe para la guitarra.

Pero muchos conciertos que pueden no ser del tamaño del Tercer Concierto para Piano de Beethoven, pero que todavía están llenos de belleza y riqueza interior, serán empujados más y más lejos hasta el borde y eventualmente desaparecerán completamente de nuestra conciencia.

 

Por lo tanto, me gustaría dar una pequeña visión general de lo que todavía está disponible aparte de la gran camada de Rodrigo. Imagina obras que me tocan personalmente, me hacen soñar y, al menos por momentos, me hacen olvidar el dolor de la vida.

 

Pero primero quiero hablar brevemente sobre lo que significa un concierto. Puede ser un poco confuso para el profano: vas a un concierto, pero este término puede significar cualquier cosa, el disfrute de una noche de música de cámara cultivada, así como el de una obra orquestal extraña.

Pero cuando los músicos hablan de un concierto, nos referimos a un género musical muy específico. Sólo se habla de concierto en solitario cuando un solo instrumento interpreta una pieza musical al unísono y en conflicto con una orquesta.

Los más conocidos son, sin duda, los conciertos para piano y violín, pero apenas hay un instrumento para el que no haya ninguna aportación a este género, como los conciertos para armónica o para arpa judía.

 

Los predecesores de esta forma se encuentran en una fase muy temprana de la historia de la música europea, pero no adquirió su forma y significado actuales hasta la aparición de la cultura concertística burguesa en la segunda mitad del siglo XVIII.

Antes sólo había unos pocos virtuosos que actuaban en una «cámara» de casas aristocráticas (el ejemplo más conocido es sin duda el pequeño Mozart). Pero la gran comprensión musical de muchos aristócratas puso fin de forma natural al virtuosismo puro.

Pero cuando una audiencia de clase media comenzó a llegar a las salas de conciertos, el gusto por la música cambió dramáticamente. La mayoría de los oyentes buscaban ahora distraerse de la triste vida cotidiana y querían estar «bien» entretenidos, una necesidad que el concierto en solitario satisfizo de la forma más perfecta.

Sobre todo, a medida que la personalidad del solista fue adquiriendo más y más importancia. Con el paso del tiempo esto finalmente se convirtió en excesos tan extraños como los que conocemos de las historias de N. Paganini o F. Liszt.

 

En su forma más conocida hoy en día, el concierto en solitario consiste en tres movimientos en la secuencia rápido – lento – rápido.

En el primer movimiento la orquesta introduce un tema y el instrumento solo responde con una variación del mismo o de su propio material.

El segundo movimiento es lento y da al solista la oportunidad de demostrar su sutileza y sus cualidades líricas. Finalmente, en el movimiento final, suele haber un virtuosismo que se asemeja a un «final», es decir, la expulsión de una orquesta de baile.

Una característica especial del concierto clásico es la cadencia solista, en la que el solista puede brillar sin acompañamiento. Originalmente esta parte fue improvisada, pero hoy en día las cadenzas están compuestas y ya no se trata de su invención, sino de su interpretación personal y de la habilidad del músico para integrarlas en el concepto global de la obra musical.

 

 

El concierto que quiero presentarles hoy, el Concierto op. 67 de Malcolm Arnold, también se organiza tradicionalmente en su forma de tres partes, y aunque utiliza un lenguaje musical moderno, apenas trasciende los límites de la tonalidad, pero siempre se adhiere a los principios de la composición clásica.

Esto no es sorprendente, ya que el inglés Malcolm Arnold (el compositor inglés más conocido de la posguerra después de Benjamin Britten) era un compositor relativamente conservador.

Mientras la mayoría de sus colegas se entregaban a su deseo de experimentar y trataban de romper con las cadenas de la tradición, él escribió música llena de melodías vocales, imparcial y poco preocupada por el espíritu de la época.

 

Debido a estas ventajas y a su trabajo como compositor de películas, uno se ve fácilmente tentado a pensar en él como un músico «superficial». Pero en sus obras más importantes, especialmente en las nueve sinfonías, uno ve a un artista completamente diferente trabajando. Se caracterizan por su profundidad intelectual y su oscura pasión y muestran a un compositor grandioso en el clímax de su obra.

Popular como era, también se le pidió repetidamente que escribiera para varios instrumentos. A lo largo de su vida, ha realizado más de veinte conciertos en solitario, incluyendo el Concierto op. 67 para Julian Bream y para músicos de renombre como Yehudi Menuhin y Benny Goodman.

 

Este concierto, realizado por primera vez en 1959, refleja maravillosamente la actitud y el gusto musical de los dos músicos.

Aquí un compositor tradicional, dispuesto a contribuir a la literatura de la guitarra moderna contra el espíritu de la época, allí un intérprete, que además de la guitarra también tocaba el laúd magistralmente y sobre todo hizo un esfuerzo con el repertorio clásico.

El resultado es una obra que ya está llena de elegantes temas en el primer movimiento y que cautiva con un diálogo entre el instrumento solista y la orquesta que alterna entre la brillantez técnica y la música de cámara íntima.

El movimiento lento fue inspirado por la guitarra de Django Reinhardt. Un tema largo y azulado lleva la vida emocional de los oyentes a aguas profundas y proyecta un brillo oscuro sobre toda la obra.

Sigue un minué excéntrico, restaurando el equilibrio entre los dos primeros movimientos y todo termina trágicamente, con tiros cortos de la guitarra.

 

El biógrafo del compositor, Piers Burton-Page, lo llama así: «Uno de los inventos más sobresalientes de Arnold. … Una vez escuchado, nunca más se olvida» («Concierto Filarmónico», Methuen, 1994).

 

 

Al hacer clic en esta imagen se puede pedir una hermosa interpretación de algunos conciertos de M. Conn directamente en Amazon. No hay más gastos para usted, pero yo recibo una pequeña comisión.

 

Leave a reply

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Aplicación de Cultura

También echa un vistazo a mi aplicación de cultura!

Nuevos artículos diarios sobre la historia de Europa, literatura, música clásica, bellas artes y más.

Comentarios recientes

    Blogverzeichnisse

    Blogheim.at Logo